The FIlmic Glissando – Out of the Blue by Holly Fisher

At one point in Holly Fisher’s feature film Out of the Blue, an on-screen text appears which reads, „Bring out all glissandi. They are not just ‚ornaments.‘ ” This is an instruction by composer Lois V Vierk regarding the interpretation of her piece Words Fail Me, written in the score’s legend as direction to the musicians preparing for performance of this work. Fisher includes several such instructions in addition to the full 20-minute music composition within her film. To me these words apply not only to this film as a whole, but to many of her other films as well (thinking Ghost Dance; Here Today Gone Tomorrow aka Rushlight; Softshoe for Bartok).

In Western music tradition, glissandi – the sliding towards or into certain notes, thus foregrounding them – are indeed used as ornaments; they are a means by which the performer may add some warmth, charm, or „personality“ to their interpretation. Glissandi in that tradition demonstrate the player’s virtuosity and confidence, making sure listeners deem themselves to be “in good hands”.

Here, however, the glissandi have become emancipated. In the first movement of Words Fail Me, they seem braided into the melodic lines, melodies, into the phrases themselves, and made a fundamental part of their expression – standing next to stable notes, equal to them instead of heightening their importance. In the second movement, slow glissandi are broken up into jagged fragments, shards, relentlessly driving forward, downward, upward, as if in a frenzy. I think that Fisher’s expressive description of Vierk’s music as “uncanny movement through space” stems from, among other things, the composer’s use of glissando. Both music and film build a sort of fictional architecture, opening up rooms which might not be possible in reality, where askew angles, warped walls abound. The glissandi can be regarded as warped walls connecting past, present, and future in a single line, and which is analogous to what is happening with images in the hands of the filmmaker/editor. The glissando is about transitioning or mediating between two stable notes, one in the process of fading away, the other in the process of emerging. The feeling of in-between-ness, as conjured up by the glissando reverberates throughout the film. The question arises, is there a filmic glissando? And if so, what would it look like?

I believe the glissandi in Out of the Blue are to be taken both in a literal and in a broader sense. They are central to they way the film moves forward. Considering the broader sense of this concept, it seems no coincidence that Vierk’s instruction to bring out all glissandi appears over one of the film’s most crucial images.

The sky and snowy landscape as seen from an airplane are superimposed upon a “snowy”, noisy malfunctioning television, while the shadow of a hand seems to touch this mixture, this “fictional architecture” of imaginary and unbuilt structures, as an onscreen text states, of earth and sky, of reality and (lacking) image, of real and fictitious snow, of beauty and noise, of order and disruption. It is an impossible touch, but one that reforms those disparate elements into a unity, a unity which is not just rigidly imposed upon its elements but is alive, moving, shifting, scintillating. All of its elements at other points in the film are linked with their own distinct chains of associations; the lacking image, in particular, is connected to an image lost in the editing room, as well as to 9/11. Other associations include the plane trip crossing the Atlantic during which real life seems to be suspended, the haze between waking and sleeping, doing laundry, or the “need to talk” (hinted at by both on-screen texts and the sound of a calmly ringing phone): in-between spaces, phases of transition, all brought together yet preserved in their autonomy by this touch which works as a glissando: a realm of connection, letting both the eye and the mind wander, indeed glide between its various parts. These elements are connected not to smooth a transition to a new image or a new idea, but invite the viewer/listener to dwell on the connection itself.

A narrower translation of the concept of glissando into film language is perhaps obvious. In Out of the Blue as well as in Fisher’s work in general, one can find many instances where a film shot lingers, and slowly glides into the next one; where the image is abstracted, where movement crystallizes, or where one image-box which makes up only part of the screen interacts with either the full screen or another image-box. The beauty of a “gliding” image lies not in perfect proportions or perceived order, but in this abstraction of well-known sights which leads the viewer to discover uncharted viewpoints; as if one would take a step back from one’s personhood, only to become awash with surprising sensations (there is a car wash scene in Blue which illustrates this point perfectly).

The most literal instances of glissando in the film are the many images of gliding, of being afloat. Falling leaves, a swimming goose, a plane hovering over the coast line, recurring shots of continuous pulling back of an island and of moving towards an obscure door, cartoon characters stuck in an air bubble – these moments all recall a glissando.

The performance of Words Fail Me is at the very center of Blue. The rest of the film revolves around it, appears, in hindsight, to be structured by it, by its two contrasting movements. Until the first notes arise, a cloud, a haze of contrasting images, texts, associations is being built, or set afloat; a fluid framework from which the music is borne, airborne. But it is only much later that one realizes how music and film inform each other, without one even remotely illustrating the other. Both keep their independence, their own, contrasting rhythm, and their own ways of moving uncannily forward as they still mirror each other. At times, the musical glissando becomes a filmic glissando, and vice versa.

Kaum hörbar, kaum sichtbar: The Unchanging Sea von D.W. Griffith

Man könnte sagen: Bücher sind lang, Filme sind breit. Ein besonders breiter Film wäre dann D.W. Griffiths The Unchanging Sea, der eine sich über Generationen erstreckende Geschichte zu gut zehn Minuten verdichtet. Dieses Extrem an Verdichtung, Konzentrat einer eigentlich langen Zeitspanne, lässt mich gleich an Anton Weberns Vier Stücke für Violine und Klavier op. 7 denken. Beide Werke entstammen dem selben Jahr, 1910. Weberns Stücke dauern insgesamt fünf Minuten, aber nicht etwa, weil das Ausgedrückte von weniger Belang wäre, als jenes spätromantischer, überlanger Sinfonien, sondern weil jeder musikalischen Geste derartiges Gewicht zukommt, dass der Komponist in fünf Minuten bereits alles ausschöpft, was es auszudrücken gibt. Alles ist gesagt, ächzend lehnen sich Komponist, Interpretin, Zuhörer in ihre Sessel zurück und winken ab: das Fass ist voll.

Verdichtung bedeutet weder für Webern noch für Griffith ein Zusammendrängen einzelner Elemente. Auch überfrachten sie keineswegs ihre Zuschauer-/Zuhörerschaft mit einer kaum zu verarbeitenden Menge an Information. Paradoxerweise ist Weberns Partitur oft beinahe leer, ziert Griffiths Leinwand nur etwas Sand, Meer, und eine geduckte Person, deren Gesicht wir nicht sehen:

Verdichtung bedeutet Webern und Griffith die Aufladung ihrer wenigen Elemente mit potentieller Energie. Kaum hörbar instruiert Webern immer wieder, versieht dann aber dieselben Noten mit Akzenten und lädt sie derart auf, verleiht dem kaum Hörbaren Gewicht. Jederzeit könnte das kaum Hörbare ausbrechen in laut Tobendes, wild Wütendes, in fortissimo; gerade weil es hingegen zurückgebannt wird, weil die ihm innewohnende potentielle Energie sich also bewahrt, sich nicht entlädt, vereint es in sich die ganze Spannweite eines möglichen Ausdrucks, verdichtet sie zur kleinstmöglichen, eben kaum hörbaren musikalischen Geste.
Ein Universum, reduziert zum Keim; eine generationsübergreifende Geschichte, heruntergebrochen auf ein paar Bilder. Kaum hörbar: kaum sichtbar. In Griffiths Film wächst das Kind der Protagonistin in wenigen Sekunden, in zwei Schnitten zur Erwachsenen heran. Gerade aus ihrem Sich Entziehen, aus grob nur Angedeutetem, schemenhaft Umrissenen bezieht der Film seine ungeheure emotionale Wucht und Tragik. Menschen hinterlassen in diesem Film nur sanfte, bald verwischende Spuren. Was bleibt: Wind, Wasser, Wellen; unabänderliche Naturgewalten.

Weberns op. 7 scheint diesen Gegensatz von Mensch und Natur wiederzuspiegeln. Sieht man im oben abgebildeten Ausschnitt letztere dargestellt etwa von den wellenförmigen Bewegungen der Violinstimme, oder dem zittrigen, tief gesetzten Tremolo (schneller Wechsel zweier Töne) des Klaviers, beides sich erhaltende, gleichzeitig aber stetig sich erneuernde Klänge, so zeichnen die Akkorde das Menschenleben nach; kaum hörbar, verklingend, schwindend, sich an die Stille übergebend.

Sowohl Webern als auch Griffith behandeln Stille allerdings nicht als Abwesenheit von Information, sondern als lebendigen Klang, als vielleicht allerverdichtetsten Ausdruck; beide schaffen eine Stille, die alles Getöse in sich trägt. In The Unchanging Sea blicken drei Frauen in wiederholten Einstellungen aufs Meer, bang auf ein Zeichen, einen Ruf ihrer verschollenen Geliebten hoffend – vergeblich. Das Meer antwortet bloß mit tosender Stille.

Weberns Akkorde im op. 7 sind nicht mehr als Toneinheit mit genau zu bestimmender Färbung wahrnehmbar, sondern wirken gewissermassen als Melodie, deren Bestandteile gleichzeitig erscheinen; als zum Punkt verdichtete Tonfolge, als Tonvielheit unbestimmbarer oder stets wechselnder Färbung. Bilden Akkorde-als-Toneinheit noch spezifische Emotionen des Menschen ab, isolieren aus dem Menschenleben also einzelne Momente (siehe Dur/Moll), bergen Weberns Akkorde-als-Tonvielheit die mögliche Gesamtheit eines Menschenlebens in sich. Wie Griffith verdichtet Webern ein Leben also zu wenigen Sekunden. Eine Einstellung, ein Akkord reicht; wir haben begriffen, und gerührt, erschöpft, entkräftet lehnen wir uns zurück, als hätte diese Einstellung, dieser Akkord jegliches Leben aus uns gesaugt.

Stadtschritte

Eine unbekannte Stadt durchwandernd merke ich: es ist die Stadt, die den Rhythmus der Schritte diktiert, sie am Kino vorbei ihre Straßen hinunterpumpt. Die Art meines Gehens, meines gehend Erforschens wird von ihr aufgezwungen und unterscheidet sich je nach Stadt. Unser Schritt kann nicht als Schablone gelten, an unterschiedlichen Orten angesetzt, so messend, prüfend, vermerkend; der Schritt als fixierte Einheit, die sich dem zu Messenden aufdrückt, es gar maßregeln will, Abstände für zu groß, zu klein befindet. Unser Schritt muss sich anpassen, anschmiegen an die Stadt, ihre Abstände, ihren Rhythmus: muss sich synchronisieren. Der Schritt, die Stadt zunächst unterwerfend, gerät zur Stadt selbst; der urteilende Schritt entledigt sich seines Urteils und muss sich stattdessen selbst rechtfertigen, versucht, seinem Beurteilten gerecht zu werden.

Die Schritte, einmal in den Bann der Stadt gebracht, die sie sich einverleibt, zu den Ihrigen umwandelt, lassen sich nun von ihr lenken; sie steuert und übernimmt die Entscheidungen, die sich aufdrängen. Sie bestimmt die Geschwindigkeit der sie Durchwandernden, bestimmt, wo zu rasten und wo zu beschleunigen sei, wo umzukehren und wo innezuhalten; sie lässt Füße sich tief in den Boden graben, schwer, darin versinkend, abknickend; oder lässt drüber schweben, drüber hinwegfegen, ihn kaum berührend; lässt ihn sanft abtasten, seine Formen, seine Kanten, Dellen liebkosend, oder ihn grob, unwirsch durchprügeln, zertreten, durchlöchern, als wären die Füße stählerne Waffen, die wütend sich einschnitten, einritzten. Angetrieben von der Stadt – ihren Alleen, Märkten; ihren Grünflächen, bröckelnden oder sterilen Fassaden, Fenstern und Jalousien, die da zureden; ihren Verbindungswegen, Baustellen, Sitzflächen, Hochhäusern, Gehsteigen; ihren Menschen, ihrem Wetter – streunt man dann entweder Hauptstraßen entlang, durchquert weitläufige Industrieareale oder hält sich vielmehr an Schleichwege, an verborgene, verlorene Ecken; bewundert jenes Endlose, Ausschweifende, umgeben von geschäftigem Knattern und Dröhnen, ununterbrochenem Werkeln und Rumpeln, oder bewundert dieses unerwartet Einsäumende, Stille, Intime, das sich hier plötzlich eröffnet, begleitet vielleicht von Vogelgesang oder leisem, unheimlichen Rauschen, Säuseln und Gemurmel, das einem der Wind zuträgt.

Zu Fuß erkundet bewegt sich die Stadt, während sie stillsteht. Ihr Pochen kommt in unserem Bewegen zum Ausdruck, ihre Lebensadern artikulieren sich in unserem Abschreiten; zugleich aber verändert sich ihr Bild für uns von Schritt zu Schritt kaum. Ihr Anblick bleibt nach einem ihrer Pulsschläge, nach einem unserer Schritte fast derselbe. Ein Schritt in der Stadt ist gleich dem Aufeinanderfolgen zweier Einzelbilder im Film: er ergibt mehr vom selben, aber anders. Eine Ansicht weicht der nächsten, erneuerten, selben. Ein Bild aktualisiert sich, birgt seinen Nachfolger in seiner Wiederholung; ohne diese Wiederholung wäre es nicht als Bild erkenntlich.

Nicht nur deswegen ist der Film die Stadt. Jenes beschriebene Einverleiben, Synchronisieren, Lenken, Manipulieren, für sich Vereinnahmen: es ist die gleiche Operation, die ein Film uns gegenüber wahrnimmt. Das spontane Urteil des Auges, welches ein Bild zunächst messen und maßregeln will, entfällt, sobald das Sehen zum Bestandteil des Filmes wird, sobald das Sehen ihm gerecht zu werden hat; ein starres, verkrustetes Sehen weicht einem elastischen Sehen. Der Film steuert die Art seines Abgetastetwerdens; bestimmt, wo sich der Blick verfängt, verheddert, und wo er flüchtig nur hinweghaucht, unruhig nach Fortsetzung geifernd. Jeder Film hat seine Alleen, prunken Fassaden: schaut her!, die sich in unserem Blick sonnen, sich wohlig darin wälzen und gar nicht genug davon bekommen können; ebenso seine verborgenen Winkel, kaum betreten, mit sandigem Untergrund, von Pfützen durchsetzt; und er bestimmt, wie er uns hin- und hertreiben mag von Allee zu Verwinkelung; bestimmt, ob die Zeit reicht, zu rasten, oder ob die Distanzen so groß sind, dass wir zügig voranzutreiben brauchen; ob wir voranstolpern, panisch vielleicht ins Rennen geraten, dazu veranlasst, ihm zu misstrauen, hilflos einen Orientierungspunkt suchend, den er uns mitleidig gönnt oder hämisch verweigert. Er bestimmt, ob wir uns in ihm verlieren sollen oder ob er nichts als Wegweiser, als Leuchtröhre ist, von weither strahlend, ein Strahlen aber, das mitunter wunderschön oszilliert, und dem wir uns bereitwillig hingeben, betört.

Der Schritt in der Stadt beschreibt also sowohl die Sakkaden des Auges, das sich Entlanghangeln und Orientieren an einem dargebotenen Bilderstrom, als auch den Zwischenraum zweier Bilder auf einem Filmstreifen.